Charles Brecard & Roxanne Dupuis + Tanveer Alam & Atri Nundy

Né en Nouvelle-Calédonie et Vietnamien d’origine, Charles Brecard vit au Québec depuis 2013, où il obtient son diplôme de l’École de danse contemporaine de Montréal (EDCM) en 2017. Il a collaboré avec plusieurs artistes tels qu’Andrea Peña, Dana Gingras, Aurélie Pedron, Parts+Labour_Danse, Andrew Skeels, Chantal Cadieux, Martin Messier, Mateo Barrera, Tim Brady et Helder Seabra. Sa curiosité sans limites le motive à raffiner sa danse lors de stages ou de pratiques personnelles. Influencé par les danses urbaines, folkloriques et contemporaines, et par son métier de massothérapeute, il développe FLUIDIFY, une méthodologie qui lui permet de créer, d’enseigner (à l’EDCM en 2020, entre autres) et d’encadrer des pratiques pour professionnels et amateurs. Son travail a été présenté au Canada, en France et en Allemagne. Dernièrement, il travaille sur plusieurs projets chorégraphiques et communautaires, dont la cofondation d’un espace de pratique gratuit et nomade pour artistes du mouvement nommé Le Bercail.

Originaire du Nouveau-Brunswick et installée à Montréal depuis 2014, Roxanne Dupuis partage sa carrière entre le Québec et l’Acadie. Elle danse sur plusieurs scènes au niveau régional, national et international (Taïwan, Danemark, Australie, R.-U. et France). Elle travaille avec différentes compagnies et chorégraphes à l’international, dont Tim Casson dans une coproduction Canada/Angleterre, et la chorégraphe française Solène Bossu avec l’Alliance française du Nouveau-Brunswick. Au Nouveau-Brunswick, Roxanne fait partie de la distribution du spectacle jeunesse Respire par le nez et de Résistance en tant qu’interprète dans la compagnie DansEncorps. À Montréal, elle se joint à Pythagore mon corps de Stacey Désilier et Elles d’Andrea Peña en tant qu’artiste indépendante. Roxanne est fière de son travail en tant que médiatrice culturelle auprès de la communauté montréalaise. Entre autres, avec le soutien du Festival Quartiers Danses, elle enseigne à de jeunes délinquants, des jeunes incarcérés, des femmes en difficulté, des enfants, des personnes âgées et des personnes à mobilité réduite.

PROTO-TYPE est notre première pièce en tant que duo de créateur·trice·s. Un processus de création débuté en janvier 2019, initialement inspiré de la série de peintures Les Amants de René Magritte. La création change et évolue constamment au gré de nos propres expériences respectives, mais nos impulsions et nos désirs chorégraphiques sont toujours les mêmes. Les danses folkloriques nous guident et nous inspirent, gardant toujours en tête nos racines culturelles et ethniques. Nous voulons partager un moment physique et concret sur scène avec le public afin de développer une empathie kinesthésique commune. Nous travaillons autant sur l’isolation du corps et le mouvement saccadé et contrôlé que sur le mouvement fluide, viscéral et abandonné, oscillant entre organique et mécanique. Nous visons à allier l’engagement physique, rythmique, somatique et émotif pour rendre notre travail accessible à un plus large public.

Originaire de Montréal, Tanveer Alam a commencé sa formation en Kathak avec Sudeshna Maulik et continue d’étudier avec son guru Sandhya Desai. Il s’entraîne également au Taal Vidya, les rythmes de la musique classique hindoustani, avec le gourou Pandit Divyang Vakil. Il est diplômé en 2019 de la School of Toronto Dance Theatre. Il a dansé dans les œuvres de Pandit Birju Maharaj, Janak Khendry, Rina Singha, Lata Pada, Brandy Leary, Noémie Lafrance et Sanjukta Sinha. Chorégraphe émergent, il a été présenté au Summerworks Festival, Battery Dance Festival +, MAI (Montréal, arts, interculturels) et à Tangente, pour n’en nommer que quelques-uns. Il a été soutenu par le Conseil des arts du Canada, le Toronto Arts Council et le Conseil des arts de l’Ontario. Au cours de la saison 20/21, il est un artiste sélectionné de la Sadhana Project Residency par Anandam Dancetheatre et un artiste commissionné pour la série GRIT Short Dances du CanAsian Dance Festival. Actuellement, il travaille avec la chorégraphe Padmini Chettur dans le cadre de sa nouvelle œuvre Chalking, commandée par Anandam Dancetheatre.

Atri Nundy a commencé à apprendre le Bharatanatyam à la Sampradaya Dance Academy sous Lata Pada. Après avoir terminé son arangetram (diplôme) en 2005, elle continue à travailler comme enseignante à la Sampradaya Dance Academy et en tant que danseuse et chorégraphe de la compagnie Sampradaya Dance Creations. Elle a fait de nombreuses tournées en Inde, en Indonésie et au Royaume-Uni. Elle a participé à une variété d’ateliers, y compris des ateliers dirigés par des artistes de renom tels que Harikrishna Kalyanasundaram, Priyadarshini Govind, Leela Samson et Mavin Khoo. Lors de sa formation en Bharatanatyam, Atri a eu la chance de pouvoir s’entraîner dans diverses formes de danse pendant son enfance. Sa formation a éveillé son intérêt pour explorer au-delà des structures traditionnelles du Bharatanatyam. Elle collabore fréquemment avec Kashe Dance et Anandam Dancetheatre. Ces opportunités ont façonné la manière dont Atri regarde maintenant la danse, la façon dont elle chorégraphie ses propres œuvres et pratique son répertoire.

Hasheel est un musicien sud-asiatique queer spécialiste de la musique classique Hindustani. Il est formé en chant ainsi qu’en Bansuri et est un élève de Pandit Hariprasad Chaurasia. Hasheel repousse les normes de la mode ainsi que du genre et sa musique s’étend à de nombreux styles. Il a joué avec Kailash Kher, Hariharan, Karthik, Shafqat Amanat Ali Khan et Karsh Kale. Son œuvre la plus récente, RaagRani, est un vidéoclip de style documentaire célébrant l’union de ses diverses identités culturelles.

Harikishan S. Nair est un danseur, chorégraphe, pédagogue, dramaturge et répétiteur. Il est un défenseur passionné et critique de l’équité au sein du secteur de la danse pour la danse sud-asiatique et un leader communautaire dans l’articulation des problèmes entre ces esthétiques et les institutions de présentation/commissariat établies de danse dominante au Canada. Originaire de Kerala (Inde), il danse depuis l’âge de cinq ans. Il est formé en Bharatanatyam, Mohiniyattam et Kuchipudi. Il fait des tournées de nouvelles œuvres chorégraphiques et dirige des ateliers d’enseignement et des classes de maître à travers l’Amérique du Nord. Il a collaboré, dansé et présenté son travail dans de nombreux festivals de danse en Inde, au Royaume-Uni, au Canada et aux États-Unis. Il est le directeur artistique de Regatta Kala Kendra.

Samuel Boucher est un concepteur d’éclairage et vidéo de Paris, établi à Montréal. Diplômé en 2019 de la conception de la production et des arts techniques NTS, Samuel explore l’art de peindre et de sculpter la scène à travers le temps et l’espace avec des pixels et de la lumière.

The Tagore Project reconnaît la nostalgie que nous associons à l’œuvre de Tagore et la ramène dans le présent. Les Rabindrasangeet (la poésie de Tagore mise en musique par lui-même) à partir desquelles nous travaillons contiennent des récits, des histoires, des structures, des mélodies distinctives, et notre processus chorégraphique a consisté à comprendre comment elles coexistent et créent un récit ensemble — traçant notre relation avec la poésie, la musique et entre nous deux. Comme le travail est étroitement lié à la musique et à la poésie, nous avons exploré comment l’un informe l’autre en restant enraciné dans l’essence de chaque chanson et en nous laissant l’espace pour investiguer la spécificité et l’imaginaire des mondes que nous avons créés à travers chaque Rabindrasangeet. Nous espérons que le voyage que nous effectuons à travers The Tagore Project nous rapproche de KabiGuru, le Bangla, nos communautés et nos parents, et nous permet de partager comment nous célébrons notre appréciation pour Rabindranath Tagore.