Piece of Mind Collective + Maude Lecours & Gabrielle Marquis

Naila Kuhlmann est chercheuse en neurosciences, arts vivants et innovation sociale à HUPR – Centre de recherche sur le potentiel humain (École nationale de cirque, Montréal). Bien qu’elle ait suivi une formation académique en neurosciences avec une spécialisation dans la maladie de Parkinson, Naila a poursuivi la danse et les arts du cirque pendant plus de 17 ans, et a axé sa carrière sur les collaborations arts-sciences et la cocréation artistique. Elle a fondé le collectif Piece of Mind en 2018, ce qui a conduit à la cocréation de deux spectacles interdisciplinaires (Piece of Mind: Parkinson’s et Démence) qui unissent l’expérience vécue et la recherche scientifique sur scène. Naila a ensuite dirigé la cocréation de Living Rooms : une pièce partagée, un spectacle immersif en forme de laboratoire qui invite le public à vivre des expériences incarnées du Parkinson et du cirque. Par le biais de la recherche-création participative, Naila continue à explorer le potentiel des arts vivants et des technologies à connecter et à communiquer au-delà des différences neurologiques, surtout quand les mots ne suffisent pas.

Diplômé en 2004 de l’École nationale de cirque, Jérémie Robert se spécialise en planche coréenne, en roue Cyr et en jeu de personnage, disciplines pour lesquelles il est primé en festival. Il a donné plus de 3 000 représentations sur 6 continents avec des compagnies telles que Les 7 Doigts, le Cirque du Soleil, Circus Monti, la Compagnie XY, le Cirque Éloize ou encore Kalabanté. En parallèle de sa carrière sur scène, il explore la création en tant que metteur en scène et concepteur pour le Cirque du Soleil, Circus Monti, les écoles nationales de cirque de Châtellerault et de Montréal, ainsi qu’avec sa compagnie THROW 2 CATCH, dont il assure la codirection artistique. Animé par la volonté de partager sa passion, il enseigne du Japon à la Guinée, en passant par le Nunavut, tant dans le milieu professionnel que dans le cadre du cirque social.

Anne McIsaac est interprète. C’est vrai au sens de la traduction autant que de celui des arts de la scène. À l’issue d’une carrière bien remplie en design et publicité – au cours de laquelle elle a cofondé une agence de communications, assuré la direction artistique d’innombrables projets et été une des premières influenceuses et photographes sur les réseaux sociaux – elle trouve aujourd’hui une nouvelle voie dans la transmission de l’expérience corporelle vécue et dans l’interprétation de celle-ci sur vidéo et sur scène.

Marie-Ève Dicaire a commencé sa formation artistique à travers la danse, mais après trois années, elle sentait qu’il lui manquait quelque chose, sans se douter qu’il s’agissait du cirque. Elle a passé une audition à l’École nationale de cirque de Montréal, où elle a été acceptée en tant qu’équilibriste sur les mains, et a rapidement découvert dans cette discipline un mélange rare de précision et de fluidité. Depuis l’obtention de son diplôme en 2006, elle a présenté son numéro aux quatre coins du monde avec de nombreuses compagnies, dont le Cirque Monti, le Cirque Starlight, le Cirque Plume, le Cirque Éloize, le Cirque du Soleil, et Les 7 doigts de la main. Marie-Ève continue d’évoluer en tant que danseuse, mais désormais elle le fait en équilibre sur ses mains.

Greg «Krypto» Selinger a interprété pour Solid State et chorégraphié le trio Still Milking the New Sacred Cow sous la tutelle de Victor Quijada. Son travail mêle la danse et le spoken word. Son monologue dansé autobiographique A Piece of: My Heart (Breaking) a été présenté au Canada, en Allemagne et au Mexique. Il est le fondateur du collectif d’improvisation interdisciplinaire Body Slam. En 2015, il est interprète pour la pièce This is a Costume Drama du Dietrich Group, récompensée par un prix Dora. Récemment, il a participé à des tournées avec Symphonie de Cœurs de Rhodnie Désir, le collectif Piece of Mind et The Mars Project de Travis Knights, qu’il a coproduit.

Laurie «Quantalock» Archambault pratique le Campbellocking (locking) depuis 20 ans sous le pseudonyme Quantalock, un nom qui allie sa profession scientifique et son style de danse. Sa pratique évolue surtout dans les scènes d’improvisation du battle et du cypher. Sa présence authentique, dynamique et ouverte à l’autre constituent sa signature artistique. Quantalock enseigne le locking, chorégraphie et interprète des pièces avec le collectif LockUnity, organise des évènements, etc. Quantalock explore des idées plus personnelles avec des résidences solo à B-side et au MAI (Montréal, arts interculturels).

Heidi Blais est artiste de cirque autodidacte reliant l’équilibre sur les mains, les acrobaties en duo et le slackline afin d’explorer la respiration, la résilience et l’adaptation du corps. Son récent solo Urge to breathe intègre l’entraînement à l’apnée et les équilibres dans une métaphore incarnée des niveaux croissants de dioxyde de carbone atmosphérique. Elle a traversé deux highlines de deux kilomètres, un record mondial, et s’est produite avec le Cirque Branché, le Cirque Éloize et Les 7 doigts lors d’événements spéciaux, et dans divers projets indépendants. Instructrice certifiée de yoga et d’acroyoga, Heidi codirige la formation des enseignants avec Acroyoga Montréal. Sa carrière antérieure dans l’architecture a façonné son approche interdisciplinaire de l’espace, de la structure et de la résolution créative de problèmes dans le mouvement.

Claire Honda est une scientifique et une artiste passionnée par la danse, la musique, les langues et le cerveau. Elle a obtenu un doctorat en neurosciences à McGill et est aujourd’hui coordonnatrice du Centre de recherche sur le cerveau, le langage et la musique (CRBLM). Elle joue du violon depuis l’âge de quatre ans et est également une passionnée de claquettes, ayant performé avec le TapCo Youth Ensemble et participé à des événements de claquettes à travers le monde. Elle est passionnée par le rapprochement des efforts scientifiques et artistiques, et par la promotion de liens entre des personnes d’origines et de perspectives diverses.

Anusha Kamesh est une chercheuse postdoctorale qui étudie le lien entre la maladie de Parkinson et le stress. Elle est également pianiste de formation classique, compositrice, productrice et chanteuse. Tout en poursuivant son doctorat en neurosciences, elle a combiné ses connaissances scientifiques et musicales pour composer dans le cadre d’initiatives artistiques et scientifiques telles que Piece of Mind et Convergence Initiative. En 2026, elle sortira son premier album studio, qui explore en profondeur sa relation avec sa propre santé mentale.

Notre processus de cocréation est interdisciplinaire et relationnel, façonné par les rencontres entre l’expérience vécue de la maladie de Parkinson, la recherche scientifique et les pratiques artistiques. Réunissant des personnes d’horizons différents, nous prenons grand soin de créer un point commun quelque part entre les mots, la musique, la métaphore et le mouvement. Partant d’une curiosité sincère envers les connaissances incarnées, expérientielles et théoriques de chacun·e, nous approfondissons notre recherche commune en traduisant des histoires, des idées et des informations d’un médium artistique à un autre, permettant ainsi l’émergence de compréhensions et signifiances partagées. Nous considérons les contraintes liées à la maladie chronique et au handicap comme un potentiel créatif, en réfléchissant à la manière dont la réalité en constante évolution et imprévisible de la vie avec la maladie de Parkinson influence les approches artistiques et façonne l’esthétique des arts vivants.

Maude Lecours est une artiste multidisciplinaire spécialisée en danse contemporaine. En 2015, elle a fondé la compagnie Flamant, dédiée à la vidéo-danse. Elle crée ensuite, en 2018, le projet Faire danser un village, qui célèbre par la danse l’humain et le lien d’appartenance. À travers ses créations chorégraphiques, Maude invite le public à vivre des expériences immersives, sensibles et profondes. Son approche artistique se veut une exploration de la mémoire corporelle. Maude rassemble les gens autour de performances qui favorisent la rencontre, renforce le tissu social et amplifie la joie d’être ensemble.

Gabrielle Marquis est une artiste dont la pratique se situe principalement en musique et en arts sonores. Elle se consacre actuellement à la création de spectacles et d’ateliers multidisciplinaires. Son processus de création implique d’aller à la rencontre de gens, petits et grands, aux parcours souvent atypiques. Elle s’inspire de leurs réflexions pour créer des œuvres inclusives qui rendent hommage à la pluralité de leurs expériences. Son objectif est de stimuler la curiosité du public envers des sujets sensibles, mais surtout de lui offrir du temps de contemplation tout en contribuant à son épanouissement esthétique.

Gabrielle Doucet est une artiste multidisciplinaire formée en scénographie au Conservatoire d’art dramatique de Québec. Elle amorce sa carrière en collaborant avec les théâtres Le Trident et La Bordée. En parallèle, elle réalise plusieurs expositions au sein du collectif d’artistes visuels Canadien Bacon. Ses œuvres sont représentées par la Galerie Dépliée en 2016. En 2019, elle poursuit un baccalauréat en programmation créative à l’UQAM puis, en 2022, elle rejoint le Cirque du Soleil comme assistante et chargée de projet. En 2025, elle signe la scénographie et les accessoires du spectacle Le show beige, présenté à La Licorne.

Julien Beaumier est compositeur et concepteur sonore. Animé par le dialogue entre l’image et le son, il explore comment la musique peut transformer ou faire vibrer un récit visuel. Après des études en électronique audiovisuelle et un parcours en télévision, il poursuit en sociologie et en arts visuels. Il y découvre que le son et la musique constituent le fil conducteur de l’ensemble de ses recherches. Il affine son langage sonore à travers de nombreuses collaborations artistiques. Il devient assistant du sculpteur Jean Brillant, puis du compositeur Pierre-Philippe Côté. Son univers conjugue sensibilité, expérimentation sonore et exploration technique.

Rodrigo Alvarenga-Bonilla s’initie à la danse dès l’âge de cinq ans en intégrant une troupe de danse folklorique salvadorienne et mexicaine. Il commence le hip-hop, le popping et le breaking dans les maisons des jeunes de façon autodidacte. Il entame ensuite des cours au Studio Party Time à Québec et entre dans PNT Dance Company et le collectif MARVL. Diplômé en 2019 de l’École de danse contemporaine de Montréal, Rodrigo continue sa pratique en break tout en travaillant pour diverses compagnies de danse contemporaine.

Initialement, nous nous sommes questionnées sur notre relation aux limites personnelles ou collectives et sur la conception sociétale de ces dernières, tantôt dictées par des coutumes, tantôt conçues comme balises pour favoriser le bien-être des populations. Afin d’approfondir nos réflexions, nous avons entamé une démarche de recherche auprès de deux groupes distincts: des enfants d’âge primaire et des hommes ayant vécu en situation d’itinérance. La démarche s’est concrétisée par la coordination d’une correspondance artistique entre les deux groupes au moyen d’échanges d’œuvres et de discussions sur le thème des limites. Ces œuvres, rassemblées sous la forme d’un livre sonore, ont servi de base pour la création du spectacle. Regarde ailleurs est né de notre intention de superposer le regard des enfants et celui des hommes sur un même concept. Le spectacle favorise leur cohabitation, à la manière de bons voisins, logés ou non.