Corps entravé, corps dansant

Daina Ashbee est une artiste, interprète et chorégraphe de Montréal, reconnue pour ses œuvres radicales, à la lisière de la danse et de la performance, qui abordent avec intelligence des sujets complexes ou tabous comme la sexualité féminine, l’identité métisse, et les changements climatiques. La création est pour elle une quête instinctive et quasi spirituelle, qui englobe sa relation avec son corps, ses ancêtres, l’univers et le cosmos tout entier. À seulement 26 ans, elle a déjà remporté deux prix pour ses œuvres chorégraphiques. Son travail a été présenté à Montréal à La Chapelle Scènes Contemporaines (2015, 2016) et au Montréal, arts interculturels (2014) ainsi que par la Global Alliance Against Female Genital Mutilation et le Musée d’ethnographie de Genève, en Suisse (2015). Elle participait à l’automne 2016 au Festival Oktoberdans à Bergen, en Norvège, ainsi qu’au Sacred: Homelands Festival à Londres. Artiste en résidence à l’Agora de la danse à Montréal jusqu’en 2020, elle se produira au cours de la prochaine année aux Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis, à Munich et à Potsdam en Allemagne, au Centre national des Arts à Ottawa, au Festival TransAmériques, au Biennale de Venise, entre autres. Daina a bénéficié de programmes de résidences et de mentorats à Circuit-Est centre chorégraphique, à Montréal, arts interculturels et au Studio 303 pour la création de sa pièce Unrelated. En 2016, elle présentait une création intitulée Pour en première mondiale à La Chapelle Scènes Contemporaines. En 2016, elle est doublement primée aux Prix de la danse de Montréal, remportant coup sur coup le Prix du CALQ pour la meilleure œuvre chorégraphique de la saison 2015-2016, décerné pour son installation chorégraphique When the ice melts, will we drink the water?, et le Prix Découverte de la danse, présenté par l’Agora de la danse et Tangente, pour Unrelated.

Diplômée de l’École de danse contemporaine de Montréal en 2014, Ivanie Aubin-Malo reçoit ensuite l’enseignement de la danse «Fancy Shawl» auprès de Curtis Joe Miller.  En tant que Québécoise et Malécite, Ivanie danse en valorisant son identité autochtone, qui guide sa démarche singulière. Elle collabore avec plusieurs artistes talentueux tels que Marie Belzil de Moment Factory, Tanya Lukin Linklater, DJ KXO, Buffalo Hat Singers, Moe Clark et Barbara Diabo.  En 2016 et 2017, elle chorégraphie et interprète dans deux pièces : Ktahkomiq produite par Ondinnok et Mito-Jogos de recusa par Marcos Nery présentée au festival du SESC au Brésil. Ivanie trouve son équilibre en transmettant sa passion pour la danse aux plus jeunes.

De la nation Huronne-Wendat, Aïcha Bastien-N’Diaye est initiée au mouvement par la danse traditionnelle de la Guinée tout en grandissant sur la réserve de Wendake. Créant instinctivement un mélange homogène entre deux fortes cultures, son engouement pour la physicalité et l’expressivité de la danse la guide rapidement vers la formation professionnelle de L’École de danse de Québec. Au cours de cette formation, Aïcha développe un intérêt pour la chorégraphie et pour la vulnérabilité de l’artiste sur scène. Créant des unions entre différents styles de danse, elle présente le traditionnel d’une façon rafraîchissante et contemporaine. Passionnée par l’écriture et la psychologie, interprète et membre du conseil administratif de la compagnie de danse WuXingWuShi/Mikaël Montminy, interprète pour la compagnie de danse percussive Bourask/Sylvie Mercier et performant sur la scène urbaine, elle fait partie de ceux qui souhaitent changer le monde et la vision de la danse de ce dernier. Enseignant différents styles à l’École de danse de Québec et pour NDIAYA Danse, l’enseignement est pour elle une façon de partager connaissances, énergie et ce besoin humain d’utiliser l’expression corporelle pour créer des liens. La danse est pour Aïcha un médium actuel de changements et d’innovations. Quoi de mieux que d’orchestrer une symphonie corporelle pour combattre l’ignorance ?

Slameuse engagée, Moe Clark est une métisse originaire de Calgary. Elle y a d’ailleurs débuté sa carrière artistique avec comme mentor Sheri-D Wilson. Sa présence lors du Calgary Spoken Word Festival en 2005 fut un point tournant pour elle puisque c’est alors qu’elle s’est produite pour la première fois. Elle intègre le chant au slam et utilise une loop pedal pour incorporer des structures vocales et sonores complexes. Depuis, Moe s’est produite sur de nombreuses scènes au Canada comme à l’international, notamment aux Jeux Olympiques de Londres en 2012. Moe est une artiste de grande sensibilité qui s’implique beaucoup au sein de la communauté autochtone de Montréal. Elle est d’ailleurs une activiste politique, sociale et culturelle, particulièrement au sein de la lutte pour rendre justice aux centaines de femmes autochtones assassinées et disparues au Canada.

Barbara Kaneratonni Diabo, chorégraphe et danseuse originaire de la Nation Mohawk de Kahnawake, en lever de rideau du programme double Zones déroutantes du spectacle Habiter de Katia-Marie Germain, et Closer than they appear de Karen Fennell et Nikki Forrest. Elle est originaire de la nation Mohawk de Kahnawake et vit aujourd’hui à Montréal. Danseuse professionnelle et chorégraphe depuis plus de 25 ans, elle se spécialise dans les danses autochtones traditionnelles et contemporaines, notamment l’art de la danse de cerceaux. D’ailleurs, c’est avec une grande fierté qu’elle partage régulièrement sa culture, par l’entremise de spectacles présentés un peu partout au Canada et à l’internationale. Elle enseigne également à des enfants et des adultes la danse et la musique, tout en leur proposant des contes et des ateliers interactifs. Son but est d’inspirer, d’encourager la fierté culturelle et d’élever les esprits par l’enseignement, la communication.

Marly Fontaine est une Innue de la communauté de Uashat Mak Mani-Utenam, fraîchement diplômée de l’UQAM en arts visuels et médiatiques. Sa démarche artistique s’appuie sur la pratique de la performance qui tente d’exprimer cette histoire blessée en privilégiant l’utilisation de son corps.

De renommée internationale, la chorégraphe et danseuse contemporaine Margie Gillis crée des œuvres originales depuis plus de quarante ans. En 1979, invitée à enseigner et à donner des conférences en Chine, Margie devient la première artiste occidentale à présenter la danse moderne après la Révolution culturelle. Deux ans plus tard, la Fondation Margie Gillis Dance est constituée avec la mission de présenter et soutenir son travail chorégraphique. Plus d’une centaine de créations constitue maintenant le répertoire de Margie qu’elle interprète en solo, en duo et en groupe. Ses œuvres voyagent en Asie, en Inde, en Europe et au Moyen-Orient, ainsi qu’en Amérique du Nord et du Sud. Parallèlement à son travail solo, Margie prend part à des projets initiés par ses pairs. Les Grands Ballets Canadiens, La Compagnie Paul Taylor Dance, Stella Adler Studio of Acting et la prestigieuse Juilliard School de New York l’invitent fréquemment à collaborer à différents projets. Rapidement, la chorégraphe se distingue par son approche créative singulière qu’elle nomme « Dancing from the Inside Out ». La transmission de cette méthode unique et innovatrice devient un volet important dans son parcours. Ainsi, plusieurs chorégraphes – interprètes professionnels et étudiants en danse – ont bénéficié et bénéficie encore de son enseignement sous différentes formes : classes de maître, ateliers, mentorats… Reconnue pour son engagement social, Margie Gillis donne également des conférences sur la danse et le rôle de l’art dans la société. Après avoir été porte-parole d’Oxfam, de Planned Parenthood et d’organisations dédiées à la lutte contre le sida, la chorégraphe défend depuis plusieurs années et avec ardeur, la cause environnementale.

Actrice, auteure et metteure en scène, formée au Conservatoire d’art dramatique de Québec, Catherine Joncas est l’une des membres fondatrices d’Ondinnok. De 1996 à 2016, elle en était aussi la directrice administrative et assurait par le fait même la faisabilité de toutes les activités de la compagnie théâtrale. Aujourd’hui, elle se consacre plus particulièrement à son rôle de mentor artistique. Elle est l’auteure de nombreuses pièces produites par Ondinnok, son oeuvre la plus intimiste étant Le Rendez-vous | Kiskimew. En 2006, elle signe la mise en scène de Contes d’un indien urbain, un travail qu’elle a le plaisir d’approfondir sur plus de trois ans. Par sa soif de découverte, par sa grande ouverture d’esprit et par son regard empreint d’une certaine candeur, elle apporte une dimension plus fantaisiste au parcours artistique d’Ondinnok.

Charles Koroneho travaille dans les domaines de la performance et de la culture. Il explore la collaboration culturelle et l’intersection entre la danse, le théâtre et le design. Ses projets sont présentés comme des performances, des ateliers et des recherches explorant la collision entre la cosmologie maorie, la société néo-zélandaise et les cultures mondiales. Koroneho est diplômé de l’École de danse de Nouvelle-Zélande et de l’École des beaux-arts d’Elam. Il partage sa vision de la danse et de la performance en proposant des cours de mouvement, d’improvisation et des ateliers créatifs pour les danseurs et les acteurs, artistes et soutient la communauté artistique en tant que directeur collaborateur, conseiller culturel et mentor.

Originaire de Mashteuiatsh au Lac-st-Jean, Soleil Launière est une artiste multidisciplinaire corps-voix basée à  Montréal, avec un intérêt prononcé pour les chants du monde, le son, l’improvisation vocal, l’interprétation physique et le théâtre. Son expérience inclut plusieurs années de découvertes musicales et artistiques à  travers différents pays et cultures, des études en conception sonore à l’institut Trebas, un DEC en chant, une certification de professeur de Yoga, ainsi que plusieurs expériences en art de la performance à travers festivals et évènements. Le tout tinté de son propre héritage autochtone.

Fondatrice de la réputée Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata, artiste-chorégraphe et interprète, professeure de philosophie et auteure, Zab Maboungou s’est distinguée sur tous les fronts de l’action artistique et culturelle. Elle est parvenue à traduire et à implanter grâce à ses œuvres et à son implication dans le développement artistique et culturel, une autre présence et un autre foyer pour l’imaginaire.  Auteur de plusieurs articles sur la danse et du livre « Heya Danse! Historique, poétique et didactique de la danse africaine » (2005), sa réputation de conférencière et d’ « intellectuelle publique » en font une personnalité recherchée partout où se fait la rencontre entre les « les arts, les savoirs et les personnes », un credo pleinement assumé par la compagnie. Sa technique du mouvement, appelée lokéto, inédite, constitue aujourd’hui un modèle du genre.

Cheryl McDonald a récemment témoigné aux audiences qui ont eu lieu le 12 mars 2018 à Montréal pour l’enquête nationale sur les femmes et les filles autochtones disparues et assassinées. Cette grand-mère mohawk de Kanesatake-Akwesasne a témoigné publiquement sur la disparition et la mort de sa soeur en 1988 à Akwesasne. Cheryl a parlé du traumatisme multi-générationnel subi tout au long de sa vie et de l’impact spirituel, émotionnel, physique et mental de la perte d’une sœur dans des circonstances violentes. Elle a écrit et parlé de son parcours de guérison qui est devenu une voix pour ceux qui pleurent en silence. Au cours des trois dernières années, Cheryl a commencé la danse traditionnelle en l’honneur de sa sœur et d’autres sœurs, familles et survivants du MMIWG. Après avoir commencé à danser dans un style et une robe iroquoiens traditionnels, Cheryl a participé à de nombreux rassemblements, cérémonies de guérison et a trouvé la paix, le pouvoir et la force pour parler de sa vérité personnelle et partager sa sagesse avec les autres. Plus que tout, Cheryl souhaite donner de l’espoir aux autres et être une voix douce pour aider et soutenir les autres vers l’autonomisation et le bien-être. « Pour les peuples autochtones, nous devons être le changement que nous voulons voir dans le monde. Pour se faire, nous devons nous pardonner et changer notre façon d’interagir avec les autres. La guérison est la clé. »

Gary McFarland est originaire des Premières Nations du Manitoba. Sa mère est une Swampy Cree de Grand Rapids et son père est un Métis de Duck Bay. Il est un homme dévoué à sa famille, un homme cérémoniel et un danseur de Pow Wow de la catégorie des hommes traditionnels. Il est survivant de la Rafle des années 60 qui travaille sur lui-même à travers la culture et les cérémonies depuis plus de 25 ans. Maintenant, il est engagé à aider les autres comme il a lui-même été aidé. La guérison qu’il a fait dans sa vie est celle qu’il peut aider les autres à faire. En tant que danseur homme traditionnel de Pow Wow, il croit qu’il est important de comprendre les pensées, les considérations, les actions et les enseignements derrière tout ce qu’on fait et la façon de le faire. Cela est une composante essentielle du mode de vie traditionnel, de la culture des Premières Nations. C’est une compréhension ancienne de l’importance de marcher dans les traces des ancêtres, de les honorer et d’être en pleine conscience des générations futures et des effets de nos pensées et de nos actions envers eux.

Jaime Morse est directrice et mère du groupe Prairie Fire du Lac La Biche, en Alberta. Elle a fait partie du groupe Jig on the Fly, puis elle a lancé le groupe Prairie Fire en enseignant à ses enfants comment interpréter les histoires des Métis à travers la danse. Actuellement, Jaime est la fondatrice de Indigenous Walks et travaille comme artiste et conservatrice. Elle occupe actuellement un poste à temps plein au Musée des beaux-arts du Canada à titre d’éducatrice – Programmes et activités de sensibilisation pour les Autochtones. En tant qu’artiste visuel, Jaime est connue pour ses motifs d’influence métis uniques et identifiables, son écaille de poisson, son écorce de bouleau et sa peinture.

Prairie Fire Jiggers est un groupe familial dynamique qui partage sa culture métisse à travers la narration et la danse par une présence sur scène à la fois amusante et captivante. Soyez prêt.e.s à taper dans vos mains et à tapoter vos pieds! Ces frères et soeurs ont appris la danse dès leur plus jeune âge avec leur mère Crie-Métis, Jaime Morse.

RedTail Spirit Singers est un groupe de tambour traditionnel powwow où les battements du tambour et les voix des chanteurs sont au cœur de la performance. Inspiré par des rêves et la nature, le groupe célèbre la vie avec ses chants et harmonies. Leur mission : chanter et démontrer qu’à partir de choix réfléchis, d’un effort soutenu et d’une attitude positive, les résultats seront probants.

Carlos Rivera est danseur, chorégraphe, professeur, directeur de répétition et acteur. Il est originaire du Mexique et de descendance mixtèque. Artiste associé avec Red Sky Performance, il est interprète et chorégraphe de nombreuses productions de la compagnie, dont Mistatim, créée en 2015, où il tient le rôle principal. Les tournées avec Red Sky le porteront à travers tout le Canada et aux quatre coins du monde, notamment en Chine, en Mongolie, en Australie, aux États-Unis, au Mexique, en Islande, en Suisse. Il participe également plusieurs fois en tant que danseur, professeur et chorégraphe au programme en danse autochtone du Banff Centre for the Arts and Creativity. Son oeuvre I’m not the Indian you have in mind est présentée dans le cadre de la série Next Steps en danse au Harbourfront Centre à Toronto en 2012.  À l’automne 2016, il a été sélectionné pour le programme Artist in Residence Training Program à l’École nationale de théâtre de Montréal.

Chorégraphe et interprète Mexica Nahua originaire du Mexique, Leticia Vera se spécialise dans l’exploration de la dramaturgie corporelle et du mouvement en création chorégraphique et interprétation scénique contemporaine. Elle est titulaire d’un diplôme d’interprète en Danse Contemporaine de la Escuela Nacional de Danza Contemporaea INBA (Instituto Nacional de Bellas Artes) au Mexique. En 1992 elle commence son travail d’interprète, tandis qu’elle s’épanouit dans le domaine de la danse-théâtre. Installée au Canada depuis 2006, elle poursuit sa carrière en tant qu’artiste, interprète et chorégraphe. En 2009, elle a collaboré avec Gaétan Gingras/compagnie Manitowapan à Montréal et avec Sandra Laronde Red Sky et Neil Leremia Black – Grace (Toronto – Nouvelle-Zélande, 2010) au Banff Centre. Depuis 2010, elle travaille et collabore comme interprète et chorégraphe avec la compagnie de théâtre francophone-amérindienne Ondinnok : Rabinal Achi ; Un monde qui s’achève Lola ; les trois éditions du Printemps Autochtones d’art ; et en 2017 sa première mise en scène, El buen vestir-Tlakentli, pour nommer certaines réalisations. Elle collabore toujours avec d’autres artistes multidisciplinaires de la scène contemporaine autochtone et présentement elle travaille sur sa nouvelle création La Soif qui sera présentée en 2019 à Tangente.

Je m’appelle Nodin Wawatie. Je suis un Algonquin de Rapid Lake au Québec. J’ai commencé la danse par le breakdance à 17 ans. J’ai appris cette danse car je la trouvais impressionante et que je voulais moi-même impressionner les gens. Quand on m’a dit que je ne pourrais pas y arriver, cela m’a donné une nouvelle raison de danser : leur prouver qu’ils avaient tort. Un jour, pendant un powwow j’ai vu cet homme qui dansait avec tant d’enthousiasme qu’il m’a donné envie de devenir danseur powwow. Depuis, je danse toujours avec le même enthousiasme. J’adore danser et je ne m’arrêterai jamais, même quand je serai plus vieux ou plus gros. La danse est ma passion, ce n’est pas seulement un passe-temps, c’est mon mode de vie. Je danse sur ce chemin que la vie m’a offert.