Athena Lucie Assamba & Leah Danga + Gabriela Jovian-Mazon + Andy Michel + Do Phan Hoi + The Unknown Floor Force

Athena Lucie Assamba est une artiste pluridisciplinaire et interdisciplinaire interprète. Étant d’origine camerounaise, c’est sur sa terre natale que commence son initiation en danses africaines traditionnelles et modernes et, plus tard arrivée à Montréal, elle découvre le waacking, qu’elle ajoute à sa mosaïque de mouvements. Athena exprime aussi son art à travers différents autres médiums tels que le stylisme, la musique et le chant, qui font partie intégrante de son univers. Elle décrit son art comme étant le produit du mysticisme de l’essence africaine: sa spiritualité, sa culture, son imagination et tous ses états d’existence. À travers son art, elle explore les savoirs ancestraux et les savoirs non transmis, la guérison et la liberté.

Leah W. Danga est une artiste multidisciplinaire née à Montréal, d’origine kényane et camerounaise. Depuis cinq ans, elle se spécialise dans les danses de rue africaines et traditionnelles tout en intégrant d’autres styles comme le popping et le hip-hop. Elle commence sa carrière avec le groupe prospects (2018-2019) avant de rejoindre Afro Dojo en 2020, une initiative visant à promouvoir les cultures africaines et caribéennes, surtout à Montréal et au Québec. Leah co-chorégraphie des pièces telles que 129 amoroso et enta di dojo lab, présentées au Festival MURAL et au OYOFE Festival à Barcelone. Elle partage aussi son savoir à travers des conférences et des ateliers sur la danse et le tressage, notamment au Collège John Abbott et à l’Université McGill. De 2019 à 2022, elle enseigne les danses africaines modernes à l’École secondaire Saint-Laurent. En parallèle, Leah gère son entreprise de coiffure, Locks By Leah, et exprime sa créativité par la mode.

Artiste de la scène, scénographe et conceptrice lumière, Tiffanie Boffa utilise ses multiples ressources pour créer des espaces vivants et sensibles. Débutant dans l’univers de la danse, elle se nourrit de son expérience dans ses conceptions d’éclairage. Elle collabore avec des artistes en danse, théâtre et arts multidisciplinaires tels que Guillermina Kerwin, Gabrielle Lessard, Jon Lachlan Stewart, Hanna Sybille Müller, Simon Renaud, La Tresse, Véronique Giasson, Marie Béland, 100Lux, la compagnie We All Fall Down et Sébastien Provencher.

Notre processus créatif a commencé par une exploration de la gestuelle des danseurs masqués chez un peuple bamiléké venant de l’ouest du Cameroun. Nous analysons les mouvements qui reviennent souvent et qui nous parlent pour ensuite les fusionner à notre vocabulaire en danses de rue africaines: afro house, mbolé, ndombolo, azonto, entre autres. Après l’exploration des états plus corporels, on analyse maintenant une exploration du caractère de l’esprit de ces masques en jouant avec les différentes textures qu’il peut évoquer. Il est important pour nous de connaître l’origine de ces éléments de nos cultures donc, en parallèle de l’exploration physique, nous nous documentons en lisant différents livres et articles concernant les masques africains et, surtout, nous consultons directement les personnes en contact avec ces masques qui nous informent de leur signification et leur importance dans leur culture. Cette œuvre ne représente pas le masque en lui-même mais plutôt une exploration de ce qu’il dégage et une affirmation de son côté vivant.

Gabriela Jovian-Mazon, alias Ellégance, est une artiste du mouvement théâtral, ludique et axée sur les personnages. La découverte, la communauté, l’authenticité et le plaisir guident sa pratique. Sa formation comprend la danse folklorique mexicaine, un baccalauréat en génie civil et une expérience de marionnettiste. Elle a dansé pour la comédie musicale Scooby-Doo and the Lost City of Gold, pour le spectacle de comédie physique Michel ! et pour la compagnie contemporaine Ample Man Danse. Elle a présenté son travail à la Ville de Montréal, au Fringe et à Vue sur la Relève. Actuellement, son mouvement est inspiré par le punking, la danse jazz authentique, le mime et la marionnette. Le punking l’a amenée à participer à des battles à Los Angeles, au Mexique, en Italie et en Grèce. Elle croit qu’en partageant nos expériences vécues et notre culture, nous pouvons créer une communauté plus résiliente.

Maude Laurin-Beaulieu, alias Moodz, commence son parcours artistique par le théâtre, la musique et la gymnastique. C’est à l’âge de 16 ans qu’elle découvre sa véritable passion pour la danse. Désirant approfondir sa compréhension du corps, elle choisit de poursuivre ses études à l’École de danse contemporaine de Montréal. En parallèle, elle fait la rencontre d’Axelle Munezero, qui l’introduit à la communauté du street dance à Montréal ainsi qu’au waacking. Le freestyle devient le cœur de sa pratique, dans lequel elle cherche à allier son amour pour la création de moods et de personnages à une physicalité rythmée et libératrice.

Basé à Montréal, Antoine Findeli, alias Flame, est un artiste franco-égyptien qui travaille avec la danse et le mouvement. Ses formations incluent 15 ans de danses urbaines en tant qu’autodidacte, une école de cirque en France (2015-2016) et une école de théâtre physique à Bruxelles (2016-2018). Intéressé par la non-disciplinarité et la transgression en arts vivants, Flame collabore sur des cabarets, des performances et des pièces de théâtre (Cie Breadknives, Festival Art Souterrain, Open Body, VOUS ÊTES ICI). Il danse aussi sur des scènes grand public (Fierté Montréal, Piknic Électronik) et cofonde les soirées Supernature, dédiées au rayonnement du waacking et des arts queers.

Originaire de la Rive-Sud de Montréal, Alex Turcotte a commencé son parcours artistique dans le cadre du programme de musique de son école secondaire, qui lui a permis de jouer de la clarinette à New York et de remporter plusieurs prix de soliste. Poursuivant son rêve de devenir danseur professionnel, Alex déménage à Montréal/Tiohtià:ke en 2021 pour suivre une formation d’interprète à l’École de danse contemporaine de Montréal tout en pratiquant le waacking avec Axelle Munezero. Il obtient son diplôme en 2024 et rejoint l’équipe de la dernière création de Bouge de là, Un nuage dans mon ventre.

Diplômée en danse contemporaine à l’UQAM, Martine Castera se spécialise également en danses de rue, plus particulièrement en popping, waacking et hip-hop, sans oublier ses 14 années de pratique du karaté. Pigiste établie sur la scène montréalaise, elle participe à divers événements, spectacles, festivals, battles, créations et vidéoclips en tant qu’interprète et chorégraphe, en plus d’avoir plusieurs créations personnelles à son actif. Membre du Regroupement québécois de la danse, elle continue de se perfectionner et de danser sur la scène internationale tout en s’investissant et en redonnant à diverses communautés par le biais de l’enseignement et de la médiation culturelle en privilégiant l’inclusion, l’individualité et l’authenticité.

Artiste de la scène, scénographe et conceptrice lumière, Tiffanie Boffa utilise ses multiples ressources pour créer des espaces vivants et sensibles. Débutant dans l’univers de la danse, elle se nourrit de son expérience dans ses conceptions d’éclairage. Elle collabore avec des artistes en danse, théâtre et arts multidisciplinaires tels que Guillermina Kerwin, Gabrielle Lessard, Jon Lachlan Stewart, Hanna Sybille Müller, Simon Renaud, La Tresse, Véronique Giasson, Marie Béland, 100Lux, la compagnie We All Fall Down et Sébastien Provencher.

En m’appuyant sur mes œuvres de groupe précédentes, Clue et Stars, avec Find Your Light j’explore une chorégraphie de groupe inspirée de la culture du club, des jeux de société, de la théâtralité cinématographique ainsi que de la vidéo d’une performance de Diana Ross réalisée en 1979 avec des punkers. J’aime créer des personnages en définissant leurs gestes, leurs façons de bouger et leurs intentions, qui créent une texture. Dans mon processus créatif, l’expérience collective est vitale puisque la culture est pratiquée en tant que communauté.

Andy Michel, danseur, chorégraphe et directeur artistique d’origine congolaise, est né en Belgique et a grandi à Montréal. Son parcours commence en streetdance à Urban-Element Zone, où il est inspiré par ses mentors. Sa carrière, marquée par une exploration de styles variés comme les danses latines et l’afro, l’a mené à se produire à l’international, notamment en Asie, en Europe et en Afrique. Andy a contribué à de nombreux projets d’envergure, dont Danser pour gagner, Révolution et les Jeux de la francophonie en 2023 avec la délégation canadienne. Il organise pendant plus de 10 ans Articien, un événement annuel mettant en avant divers talents canadiens et, en 2019, il fonde son propre studio, DTJIC. Sa carrière se distingue par plus de 16 ans d’enseignement et une influence notable dans le milieu de la danse montréalaise.

Wylcharles Pierre est un danseur talentueux spécialisé en danse commerciale et en streetdance, actif au Canada et à l’international. Il a participé à des événements prestigieux, comme l’émission Danser pour gagner et le San Francisco Hip Hop Festival. Représentant le Canada aux Jeux de la francophonie 2023, il s’illustre aussi dans des battles en Europe, en Afrique et au Canada. Sa collaboration avec Andy Michel sur la pièce Alone reflète son engagement artistique et sa recherche de diversité créative. Discipline et passion ont forgé sa carrière de danseur professionnel polyvalent.

Marie-Neïka Obas est une artiste polyvalente d’origine haïtienne qui est née et qui a grandi à Montréal. Danseuse, chorégraphe et professeure de danse, elle incarne la passion et le dévouement aux arts de la scène. Sa maîtrise de divers styles de danse enrichit ses compétences et ses perspectives artistiques. Elle a eu la chance de se produire aux côtés d’artistes locaux et internationaux. Ses voyages et ses apparitions à la télévision locale lui ont permis de toucher un public plus large et d’accroître sa visibilité. Ambitieuse et déterminée, elle partage son art avec passion et inspire ceux qui l’entourent.

Artiste de la scène, scénographe et conceptrice lumière, Tiffanie Boffa utilise ses multiples ressources pour créer des espaces vivants et sensibles. Débutant dans l’univers de la danse, elle se nourrit de son expérience dans ses conceptions d’éclairage. Elle collabore avec des artistes en danse, théâtre et arts multidisciplinaires tels que Guillermina Kerwin, Gabrielle Lessard, Jon Lachlan Stewart, Hanna Sybille Müller, Simon Renaud, La Tresse, Véronique Giasson, Marie Béland, 100Lux, la compagnie We All Fall Down et Sébastien Provencher.

Pour Running Empty, nous explorons une vision de la danse alliant chorégraphie, freestyle et improvisation émotionnelle. Ce processus créatif nous pousse à redéfinir les mouvements et à capter la posture corporelle comme reflet des émotions profondes. Notre approche se veut une recherche introspective où l’interprète revit des souvenirs intenses, à la fois beaux et douloureux, révélant une «renaissance» symbolique.

Nous visons une connexion sincère à travers chaque geste, chaque espace et chaque interaction avec les autres. En intégrant des cours de théâtre, nous approfondissons la compréhension des rôles et renforçons l’authenticité émotionnelle du danseur. Cette préparation crée une œuvre brute et sincère, un miroir de l’âme humaine face à sa propre vulnérabilité.

Do Phan Hoi est un artiste multidisciplinaire autodidacte originaire de Montréal ayant un intérêt pour la danse, la photographie et la vidéodanse. En 2014, il rejoint le collectif Funny Bones Crew de Los Angeles. En 2022, il fonde Playground Studio, une compagnie de production qui appuie les artistes et les organismes culturels. Aujourd’hui, il s’engage activement dans sa communauté, notamment à travers des organismes à but non lucratif et le développement de programmes socioculturels. À travers sa carrière, il a collaboré avec des piliers artistiques de la scène montréalaise, comme l’Agora de la danse, Tangente, Danse Danse, Ebnflōh, 100Lux, We All Fall Down, Margie Gillis, JOAT Festival et plusieurs autres.

Helen Simard est chorégraphe, répétitrice, dramaturge en danse et codirectrice artistique de We All Fall Down. Originaire de Kingston en Ontario, elle vit et travaille à Tiohtiá:ke/Montréal depuis plus de 20 ans. Son expérience en b-girling et en danse contemporaine nourrit une approche du mouvement caractérisée par son dépouillement et sa grande physicalité. C’est cependant son obsession pour la déconstruction du temps et de l’espace qui rend sa démarche chorégraphique unique. Utilisant la répétition, des motifs complexes et des techniques de surcharge sensorielle, Simard crée des performances hypnotiques et oniriques qui brouillent les frontières entre les espaces conscients et subconscients.

Roger White est un artiste sonore, compositeur autodidacte et codirecteur artistique de We All Fall Down. Au début de sa carrière, il s’est impliqué activement dans la scène musicale underground de Tiohtiá:ke/Montréal en tant que musicien et DJ. Aujourd’hui, White compose principalement de la musique pour le milieu de la danse, utilisant la synthèse audio, des boucles sonores hypnotiques et des techniques d’enregistrement binaural pour créer des paysages sonores immersifs invitant le public à plonger dans des niveaux de conscience altérés.

Définie sous le terme «tailoring nouvelle vague», la marque École de pensée propose un nouvel angle qui déconstruit les codes formels du vestiaire tailleur. La manière de porter et d’interpréter les pièces s’inspire de la façon très personnelle de consommer l’art et la culture. L’intérêt profond des fondateurs pour la contre-culture, les formes d’art spontanées et la photographie est l’élément central autour duquel gravite l’univers de la marque. S’inspirant des racines culturelles locales, plus spécifiquement des mouvements artistiques canadiens et québécois depuis les années 40, les créations d’École de pensée dégagent un esprit avant-gardiste qui défie les normes et célèbre la beauté de la spontanéité.

Artiste de la scène, scénographe et conceptrice lumière, Tiffanie Boffa utilise ses multiples ressources pour créer des espaces vivants et sensibles. Débutant dans l’univers de la danse, elle se nourrit de son expérience dans ses conceptions d’éclairage. Elle collabore avec des artistes en danse, théâtre et arts multidisciplinaires tels que Guillermina Kerwin, Gabrielle Lessard, Jon Lachlan Stewart, Hanna Sybille Müller, Simon Renaud, La Tresse, Véronique Giasson, Marie Béland, 100Lux, la compagnie We All Fall Down et Sébastien Provencher.

Le processus de Rocking Boat a commencé avec un besoin personnel d’explorer mon héritage familial et de comprendre mon identité en tant que Canadien d’origine vietnamienne de deuxième génération. Mes parents, qui ont fui le Vietnam en 1975, m’ont rarement parlé de leur passé. Lorsque mon père a été diagnostiqué avec une maladie neurodégénérative, cela a déclenché un désir de trouver des réponses et la peur de ne jamais comprendre pleinement leur histoire. J’ai alors entrepris des recherches sur leur passé, renforçant également ma relation familiale. Cette pièce est née d’un désir profond de raconter ces découvertes sur scène.

Jayson Collantes est un b-boy professionnel qui réside actuellement à Toronto. Ses crédits incluent WDSF World Breaking Challenge (Japan 2023, Corée du Sud 2022), You Be Ill – The Vaccine (2020), Battle of the Year (2019), The Legits Blast (Prague 2018) et plusieurs autres compétitions dans le monde. Cette année, Jayson a été sélectionné pour rejoindre l’équipe nationale de Breaking Canada. En plus du break, Jayson s’est également immergé dans différents médiums artistiques tels que les arts culinaires, le design de mode/vêtements et d’autres styles de danse. Il fait partie de Breadcrumbs Crew (Ottawa) et The Unknown Floor Force (Toronto). En tant que membre de Bboyizm, Jayson a découvert des mentors qui l’ont aidé à continuer à grandir en tant que danseur. Il espère transmettre aux générations futures l’expérience et les connaissances précieuses qui l’aident à développer sa créativité et ses compétences en tant qu’artiste.

Bryce Taylor (iel/il) est un breaker, danseur/chorégraphe originaire de Colebrook en Ontario, actuellement basé à Tkaronto (Toronto). Bryce a commencé sa carrière en tant que danseur professionnel au Royal Winnipeg Ballet en 2019 avant de devenir danseur de compagnie pour le Ballet Edmonton en 2021. En 2019, Bryce et son collègue et ami ont cofondé le Summer Dance Collective de Winnipeg, où iel est chorégraphe en résidence de 2019 à 2023. Les œuvres chorégraphiques de Bryce ont également été présentées dans des festivals tels que Dance Made in Canada 2023 à Toronto et le festival Here&Now 2024 d’Aeris Körper à Hamilton. Désormais principalement breaker, Bryce représente deux des équipes les plus éminentes du Canada: The Unknown Floor Force, basée à Toronto, et Ayo Bruv, basée à Calgary. La majorité de son travail créatif se concentre désormais sur la stimulation du breaking au Canada.

Mark Collantes est un artiste multidisciplinaire de graphisme et de breaking. Avec ses deux passions, les arts visuels et la danse, Mark a créé un environnement symbiotique pour que sa créativité s’épanouisse. Son style de breaking est centré sur des mouvements dynamiques, des transitions et des mouvements de puissance, en mettant l’accent sur la création d’une approche unique qui lui est propre. Mark est membre de l’équipe The Unknown Floor Force, et est également affilié à Breadcrumbs Crew (Ottawa) et Jamillz (Japon). Le but ultime de Mark est de laisser un héritage durable au breaking, inspirant les futures générations de breakers et d’artistes.

Le parcours de Keimar Russell-Farquharson dans l’art du break a commencé quand il avait 11 ans et n’a cessé de se renforcer au cours des 17 dernières années. Aujourd’hui, Keimar représente 3 équipes différentes, dont deux basées au Canada, du nom de Saiko Skematics et The Unknown Floor Force, et Jamillz au Japon. Keimar a parcouru le monde pour concourir, notamment à Singapour, Paris, Londres, Los Angeles et Prague. Le breaking continue d’être la passion de Keimar, et ce depuis 17 ans. En tant que danseur, Kermar continue d’innover et de perfectionner son style personnel, faisant de lui l’un des meilleurs breakers au Canada.

Née au Nigeria, Kosi Eze a commencé son parcours créatif en tant que jeune femme en tissant des liens entre ses racines ancestrales et la culture hip-hop à travers laquelle la native d’Enugu a découvert sa passion pour les arts. Formée à l’Université de Toronto, Kosi a voyagé pour partager son approche dans divers espaces de danse, tels que le Meridian Arts Centre, l’Auditorium Chautauqua, le Forum O2, le Nia Centre for the Arts, SKETCH Working Arts et Sony Center, entre autres. L’objectif actuel de Kosi est d’approfondir les connaissances musicales et du mouvement. Elle fait partie de la compagnie de danse Ebnflōh, des équipes/collectifs Symbiotic Monsters et SourPatch.

Artiste de la scène, scénographe et conceptrice lumière, Tiffanie Boffa utilise ses multiples ressources pour créer des espaces vivants et sensibles. Débutant dans l’univers de la danse, elle se nourrit de son expérience dans ses conceptions d’éclairage. Elle collabore avec des artistes en danse, théâtre et arts multidisciplinaires tels que Guillermina Kerwin, Gabrielle Lessard, Jon Lachlan Stewart, Hanna Sybille Müller, Simon Renaud, La Tresse, Véronique Giasson, Marie Béland, 100Lux, la compagnie We All Fall Down et Sébastien Provencher.

Notre équipe n’est pas encore revenue pour la création de cette deuxième itération du spectacle Binary-codes. En tant qu’interprètes, nous avons été chargés d’explorer notre relation à la pensée diamétrale/binaire en nous interrogeant honnêtement sur la manière dont elle a encadré nos expériences en tant que personnes. Nos premières explorations en tant que groupe se sont concentrées sur l’othering, la pratique de catégoriser dans des groupes et hors-groupes, et sur la façon dont cela peut intentionnellement ou non créer des conflits prolongés. En reprenant ce travail, notre équipe explorera d’autres sujets liés à la pensée binaire et créera de nouvelles images chorégraphiques à interpréter. Nous avons actuellement une période de recherche prévue pour décembre et une période de création en mars. Ces deux périodes seront utilisées par notre équipe pour établir la version de Binary-Codes qui sera présentée au public de Montréal en avril.