Éclats | Vitrine Festival Canasian

Tomomi Morimoto
Tomomi Morimoto, originaire de Tokyo, s’établit à Montréal en 2004, et fait depuis de nombreuses apparitions dans la danse, le cinéma et le théâtre en tant que chorégraphe et interprète. Elle puise son inspiration dans la confluence des approches orientale et occidentale quant à l’esthétique du mouvement. Jumelant son expérience en ballet, en patinage artistique, en théâtre physique et en danse contemporaine à certains éléments inspirés du butô, elle crée son propre langage : complexe, primal et très physique.

Elizabeth Langley
Elizabeth Langley travaille professionnellement en danse depuis 1953. Née en Australie en 1933, elle a passé ses années formatrices à performer, chorégraphier et enseigner. Elle a été initiée à la technique de Martha Graham à New York avant de déménager à Ottawa en 1965. Elle a repris ses fonctions antérieures au sein des programmes universitaires et de la communauté. En 1979, Langley déménage à Montréal pour créer et développer le programme de maîtrise en danse contemporaine à l’Université Concordia. En 1977, après des études à Amsterdam, elle prend sa retraite de l’université pour développer son propre style de théâtre physique dans lequel elle a créé des « one-woman-shows » originaux. Elle a aussi travaillé en tant que dramaturge pour plusieurs compagnies et artistes solos au Canada.

Komodo
Komodo est un compositeur, musicien et DJ vivant à Montréal qui se spécialise dans l’interprétation du didgeridoo australien, tout comme dans la production de musique du monde électronique très rythmique et texturée et dans l’interprétation d’un assortiment d’instruments tels que la flûte turque, le tambour sur cadre et les percussions chinoises. Le premier album de Komodo s’intitule « Subluna » et fut nommé l’un des cinq meilleurs albums de 2008 par Claude Rajotte considéré comme le critique musical le plus respecté de la francophonie canadienne. Son deuxième album, intitulé « Shadow Dance », récolte de bonnes critiques et jouit d’un succès commercial depuis sa sortie au printemps 2011.

David-Alexandre Chabot
Après avoir été diplômé de l’École Nationale de Théâtre du Canada, David-Alexandre travaille autant dans le milieu francophone qu’anglophone. Durant les dernières saisons, il collabore, au niveau des éclairages, avec Le Théâtre Décalage sur la pièce Executeur 14 présenté à Usine C, Théâtre Mû avec Béauté, Chaleur et mort au Théâtre Lachapelle (pour laquelle il est récipiendaire du cochon d’or pour meilleur éclairage) et Infinit theatre avec Joe Louis et Ars Poetica . Au niveau de la danse, il a aussi fait les éclairages pour La Deuxième Porte à Gauche et leur spectacle 4quART présenté au Studio du Monument- National ainsi que Barravento de la chorégraphe Maria Isabel Rondon. Après avoir collaboré avec Tomomi Morimoto sur Treshold, Il est maintenant très heureux de travailler à nouveau avec elle sur Inhabitation.

Le comportement humain complètement dépouillé de ses artifices me fascine. Lorsque je crée, je tente de retirer toutes les couches qui font de nous des êtres différents, nos origines, nos expériences, notre vécu, afin de mettre au premier plan les émotions brutes, les instincts qui nous habitent tous. – Tomomi Morimoto

Meena Murugesan
Meena Murugesan a dansé dans la compagnie de danse Nrithyalaya, sous la direction artistique de Vasantha Krishnan, jusqu’à 2000. Depuis 2004, elle a presenté ses propres chorégraphies et improvisations structurés à Montréal, Toronto, New York, Los Angeles, Rio de Janeiro et Santiago (Chili). Ses chorégraphies incluent : split/focus (17-minutes, 2012), pou/voir (30-minutes, 2011), ReBuild (15-minutes, 2009), whirling wailing woman (15-minutes, 2009) AVAL (26-minutes, 2008), Unravelled (50-minutes, 2006), Ekatva (15-minutes, 2006). Ses créations collectives incluent Int/Ext (15-minutes, 2010), SAMVAD (45-minutes, 2009), home/Body (40-minutes, 2009). En parallèle à sa carrière en chorégraphie, Meena est également travailleuse en art communautaire avec plus de dix ans d’expérience. Présentement, elle poursuit une maitrise en chorégraphie à UCLA (Université de Californie, à Los Angeles).

Janet O’Shea
Janet O’Shea est l’auteure de At Home in the World: Bharata Natyam on a Global Stage (Wesleyan University Press 2007), co-rédactrice de Routledge Studies Dance Reader (deuxième édition) (2010), et co-rédactrice de Routledge Online Encyclopedia of Modernism. Elle étudie et présente le bharata natyam depuis 1988, tout en poursuivant la danse en tant que sujet de recherche universitaire. Elle est présentement en train d’intégrer sa recherche de cette forme classique avec son intérêt continuel pour la danse moderne et postmoderne. Elle est professeure associé au département World Arts and Cultures / Dance à l’Université de Californie, à Los Angeles.

Au cœur de la démarche artistique de Meena, se trouve une curiosité profonde pour le corps en mouvement, la cinématographie, et la transformation sociale. Elle essaie de construire des ponts entre les communautés de diverses cultures et statuts socioéconomiques avec les processus et présentations artistiques, afin d’explorer les complexités des sociétés humaines. Sa vision chorégraphique hybride est la continuation de vingt cinq ans d’étude et d’interprétation du bharatanatyam (une forme de danse classique originaire de l’Inde du Sud), de quatre ans de formation auprès de Zab Maboungou et sa forme de danse africaine contemporaine, de sept ans de formation en travail corporel énergétique orientale, cinq ans d’entraînement dans les danses hip hop et house, et d’une dizaine d’années de création cinématographique. L’improvisation constitue également une partie essentielle de son travail. Les chorégraphies et le mouvement hybride de Meena reflètent son besoin profond d’exprimer les complexités de ses expériences urbaine et culturelle et comment ses expériences sont reliées au passé.

William Yong
Wiliam Young fut formé au London Contemporary Dance School en Angleterre et a obtenu sa maîtrise ès arts avec mention à l’Université du Kent. Au cours de sa dernière année d’études à la maîtrise, il fut envoyé seul en détachement pour étudier avec le Néderlands Dans Theatre 1 aux Pays-Bas. Parmi les compagnies de danse avec qui il a travaillé précédemment se trouvent Wayne McGregor’s Random Dance, Matthew Bourne’s Adventures in Motion Pictures, Toronto Dance Theatre, CORPUS, Theatre Rusticle, Lina Cruz’s Fila 13 et plusieurs autres. William a performé dans onze films sur la danse incluant son plus récent film, To Fly or Fall, réalisé par Kathi Prosser. Il a aussi fait une apparition en tant que chorégraphe et été interviewé dans un des épisodes de la série documentaire Freedom animée par Robert Desrosiers et diffusée sur Bravo TV. Il a aussi consacré du temps à sa carrière d’acteur et a travaillé pour le cinéma et la télévision. En ce moment, William est directeur artistique et chorégraphe du Zata Omm’s Dance Projects. William a été sélectionné à deux reprises pour le prix Dora Mayor Moore. Sa plus récente nomination fut pour « Outstanding New Choregraphy » pour la production Frames de Zata Omm. La plus récente œuvre chorégraphique de William, Eight Ways From Mara pour Zata Omm, fut présentée en première au Harbourfront Centre du Théatre Enwave en octobre 2011.

Tedd Robinson
Tedd a élu domicile dans le Pontiac, au Québec, en 2005 et présente ses œuvres dans sa grange au lac Leslie depuis 2007. Il détient un baccalauréat de l’Université York, a étudié à STDT et en compagnie de l’artiste visuelle de théâtre, Lindsay Kemp. Son solo Rokudo a reçu en 1998 le Prix Chalmers National Dance. Robinson est directeur artistique de 10 Gates Dancing et a été consultant auprès de chorégraphes sur la scène nationale et internationale depuis 1992. Son travail a été influencé par ses six années d’études en tant que moine au Northern Mountain Order, Hakukaze Soto Zen, à Ottawa. Tedd Robinson est un artiste en danse associé au Centre national des Arts.

« Pour moi, la curiosité envers le corps et ses propres motivations sert de point de départ pour créer cette danse. Je crée des mouvements qui semblent autosuffisants et capables par eux-mêmes de livrer un message et de créer une perception d’un espace-temps différent. La danse n’est pas utilisée comme un matériau pour décorer l’espace scénique. Il devrait plutôt être vu comme ayant sa propre intelligence, capable de communiquer une sagesse corporelle. Avec cette idée en tête, j’ai exploré intensivement le mouvement au début du processus en créant des mouvements à l’aide de l’improvisation. J’ai trouvé de nombreuses façons stimulantes de créer des mouvements et des dialogues en utilisant, en autre, des métaphores alternatives pour différents souvenirs et éléments. J’ai posé et résolu des questions et mis au défi de trouver les dynamiques physiques de ces éléments et d’explorer les intentions mentales ou dramatiques de certaines situations et états. J’ai eu le privilège de travailler en étroite collaboration avec M. Tedd Robinson à la création de Grist. Il m’a donné un aperçu d’une nouvelle façon de penser, de créer, de bouger. Cette œuvre chorégraphique ne raconte pas l’histoire d’une personne en particulier. L’intention est de créer une danse inspirée d’expériences personnelles, de mémoires, sans devenir complaisante. Par conséquent, M. Robinson a été un mentor idéal pour ce travail. Ayant consacré six années à l’étude et à la réflexion en tant que moine, il possède une profonde compréhension des philosophies orientales. J’ai toujours admiré son travail qui se concentre sur la simplicité, la logique et l’intégrité. Je suis immensément reconnaissant pour son mentorat qui m’a guidé et m’a poussé à atteindre la transcendance avec cette œuvre qui navigue entre la noirceur et la lumière. » William Yong