The Chita Project + Théâtre Fille Unique

Diplômée de l’École de théâtre professionnel du Collège Lionel-Groulx en interprétation théâtrale en 2022, Marie Reid fonde avec Melania le collectif FILLE UNIQUE. Elles participent d’ailleurs en 2022 à une recherche-création dans le cadre de la résidence VOUS ÊTES ICI / YOU ARE HERE, puis sont accueillies en résidence aux Écuries pour la saison 2023-2024. Dès sa sortie d’école, elle a la chance de fouler les planches en 2022 au sein du Théâtre de l’Opsis dans la production Sucré Seize, puis au Petit Théâtre du Nord dans le cadre des Veillées Festives. Elle joue ensuite La vraisemblable histoire d’Henri VI, un solo produit par le Théâtre des Béloufilles. Elle sera de la distribution de la prochaine production du Théâtre le Clou et campe un premier rôle dans le premier long-métrage d’Alexa-Jeanne Dubé, Sucré Seize : symphonie pour adolescentes.

Diplômée de l’École de théâtre professionnel du Collège Lionel-Groulx, Melania Maria Balmaceda Venegas est une comédienne latino-américaine. Bachelière en études théâtrales, le théâtre est sa plus grande passion. Actrice polyvalente qui n’a pas peur du ridicule, elle est une créatrice qui aime sortir des sentiers battus. Elle aime tout ce qui est cinglant, engagé et absurde. Elle est prête à relever tous les défis qui se mettront sur son chemin. Dans ses temps libres, elle aime chanter, danser et écrire. Son identité est une source d’inspiration importante dans son processus créatif: étant latino-américaine et née au Québec, elle a baigné dans deux langues et deux cultures totalement différentes. Ce mélange teinte ses références et son caractère; elle est une force tranquille qui brûle de passion pour tout ce qu’elle entreprend. Cela fait d’elle aussi une actrice sensible capable d’une grande empathie et gentillesse.

Jeune artiste multidisciplinaire, Julianne LeBel pétille d’énergie, mais surtout de détermination. La scène est l’espace où elle se sent la plus vivante et libre, et ce depuis toute petite. Julianne commence sa carrière sur scène comme ballerine. Elle décide de se réorienter après une blessure qui met fin à son futur en ballet. Après trois ans d’études en théâtre-production (volet décors et costumes), Julianne fait sa grande entrée dans le milieu. Depuis, elle cherche à ce que l’espace scénique, bien que statique, puisse non seulement servir le mouvement, mais aussi lui faire écho et ainsi décupler sa force. Au cours de son parcours, elle fait la rencontre du collectif FILLE UNIQUE avec qui elle participe à l’édition 2022 de VOUS ÊTES ICI / YOU ARE HERE. Ce sera le début d’une inspirante collaboration entre trois jeunes femmes passionnées de théâtre pour qui l’autodérision est salvateur. La scène est pour Julianne le monde de tous les possibles et elle souhaite y exercer pleinement sa passion.

Arthur Champagne est passionné de son et de musique depuis 16 ans déjà. Après avoir entrepris des études en arts multimédias, Arthur décide de poursuivre sa passion pour le son à l’École nationale de théâtre. Il approfondit alors son goût pour la conception (son et éclairage) en travaillant avec ses mentors, Ludovic Bonnier, Louis Dufort, Nicolas Basque et Guy Simard, et des metteurᐧses en scène en tout genre, allant de Soleil Launière à Denis Marleau. Depuis sa formation il enchaîne les conceptions sonores en tout genre, passant de la danse (Magnetikae) au théâtre (Nous sommes les enfants du hangover 95, Ne faites pas honte à votre siècle : Immergez, Catastrophe est autres dramaticules) et à la performance (Sheuetam, Le magasin ferme). Il s’intéresse tout particulièrement à la déconstruction des espaces sonores et visuels. Les nouvelles technologies sont toujours vectrices de découvertes dans son travail.

Sensible aux expériences immersives et multisensorielles, assoiffée de partage créatif, Lauriane Cuello se dirige vers le domaine des arts visuels. Œuvrant aujourd’hui à Montréal, elle se consacre pleinement à la création d’ambiances expérientielles en adoptant des médiums scénographiques tels que le design d’espace et la conception d’éclairage. Elle nourrit sa création de l’exigence du cadre muséal, s’inspire des technologies modernes et pratique notamment la peinture sur toile. Son entrée dans la compagnie LightFactor l’amène à concevoir des éclairages muséaux et architecturaux incluant les expositions du Musée McCord Stewart à Montréal. La créatrice précise ainsi son langage et dirige son attention sur les corps en mouvement – spectateurs et interprètes – dans leurs multiples perspectives, dont celle de la danse et du parcours déambulatoire. Son imaginaire, sa rigueur et son entregent se démarquent lors de collaborations artistiques, dont Chevtchenko (2023), produite par Guillaume Chapnick et le Centre du Théâtre d’Aujourd’hui, où elle signe la conception lumière et la scénographie.

Notre travail est un laboratoire perpétuel où nous cherchons à faire coexister le besoin d’être unique avec celui de faire partie de la «gang». Nos explorations sont guidées par nos pulsions, nos désirs enfouis, nos fantasmes de création. Ces fantasmes, c’est ce que nous ne nous permettrions pas de faire ailleurs (sauf dans notre intimité), comme par exemple, un long moment de silence inconfortable où il ne se passe presque rien, ou encore un solo de drum sur nos seins. Nous désirons connecter avec le public par divers procédés empruntés notamment à l’art performatif, au théâtre, à la danse et au courant de l’absurde. Nous espérons nous sentir comprises, en tâchant à ce que le public se reconnaisse aussi dans notre univers, qui aborde des thèmes existentialistes comme l’ennui, la solitude, le besoin de communauté, la notion de reconnaissance, l’amour de soi, etc.

Pablo Pramparo, né en 1985 à Córdoba, en Argentine, est un artiste de cirque multidisciplinaire basé à Montréal (Tiohtià:ke). Diplômé du programme professionnel de cirque de l’école La Arena en tant que jongleur et porteur, il détient également un diplôme de technicien en arts visuels de l’École supérieure des beaux-arts Libero Pierini. Sa pratique se concentre sur l’exploration du potentiel cinétique et créatif du corps, ainsi que sur l’investigation de la relation sensible entre l’interprète et l’objet. Pablo s’intéresse aux mantras, aux boucles, aux spirales et au travail en couches comme des moyens essentiels dans son approche envers le travail circassien et sa recherche artistique. Tout en continuant à travailler en tant qu’artiste de cirque professionnel avec des compagnies de renommées internationales, son attention est actuellement centrée sur The Chita Project, un duo qu’il a formé avec Anna Kichtchenko en 2019.

Anna Kichtchenko est une artiste de cirque multidisciplinaire basée à Montréal (Tiohtià:ke). Diplômée de l’École nationale de cirque, sa formation en acrobatie aérienne et en contorsion reste une forte influence dans sa recherche et la création de nouvelles œuvres. Anna s’intéresse aux paradoxes, aux parallèles, à l’ambiguïté, à la composition, aux couches et à la façon dont le cirque contemporain permet une multitude de formes d’expressions. Tout en continuant à travailler comme artiste de cirque professionnelle auprès de compagnies de renommées internationales telles que Les 7 Doigts, Cirque du Soleil, Palazzo, etc., Anna se consacre à The Chita Project, un duo performatif initié avec l’artiste Pablo Pramparo. Leur pratique vise à élargir la virtuosité acrobatique en recherchant différentes approches physiques, ainsi qu’en se concentrant sur les potentiels sensibles du mouvement. La première pièce de longue durée de la compagnie s’intitule La chose-en-soi.

Artiste singulier, Nicolas Cantin crée des environnements chorégraphiques dans lesquels il sonde les multiples possibilités dramatiques du mouvement. Son univers penche entre intimité et sauvagerie. Il lui arrive aussi de performer pour d’autres. Il flirte également avec le cirque via l’enseignement et la dramaturgie, et se commet à intervalle régulier dans différents projets collectifs, qui ont tous en commun de naviguer aux frontières des genres.

Sebastian Kann est un performeur et dramaturge queer basé à Tiohtiá:ke/Montréal. Formé à l’origine comme acrobate, son travail chorégraphique interdisciplinaire mélange danse, texte, et médias théâtraux. Sebastian est particulièrement fasciné par l’improvisation du mouvement dans la performance ainsi que par les pressions et les possibilités de l’espace théâtral. À travers une pratique physique-théorique hybride et éminemment collaborative, il trace les intersections du genre, du style, du désir, du sens, du mouvement et de l’incarnation. Dans ses œuvres, il vise la production de performances qui laisse de la place à l’ambivalence, dans lesquelles ce qui est trippant dans le fait de ne pas savoir relie les corps aux problèmes et à leurs trajectoires imprévisibles.

Joël Lavoie est un compositeur, artiste sonore et ingénieur de son basé à Montréal/Tiohtá:ke. Sa pratique artistique navigue dans les eaux troubles du subconscient individuel et collectif. Il se questionne sur les rapports sociaux construits entre les individus et l’environnement et à leur capacité d’émerveillement. Évoquant les thèmes du souvenir, de l’ailleurs et de l’introspection, il nous encourage à reconsidérer notre environnement au travers de paysages sonores spéculatifs, de temporalités subjectives. Ses œuvres prennent la forme de performances, d’installations et d’enregistrements. En parallèle à sa pratique de musicien et concepteur sonore pour le théâtre et la danse, il poursuit sa carrière comme ingénieur du son, une pratique qui l’amène à concrétiser sa vision dans le monde des arts de la scène. En 2023, il reçoit le trophée Félix décerné par l’ADISQ pour la sonorisation de l’année.

Audrée Lewka aime les objets poqués et les centres d’achats après les heures d’ouverture. Ses gestes créatifs partent desdits objets ou de ses amiᐧes. Elle affectionne la liberté que lui procure son esthétique do-it-yourself permettant la fabrication de prototypes rapides. Malheureusement, vous diront les interprètes, les premiers prototypes se retrouvent souvent à tougher jusqu’à la run de shows. Elle aime quand c’est drôle et qu’on ne sait pas exactement pourquoi, et elle a envie de le partager sur scène. Scénographe de formation, ex-archéologue à l’enfance bercée par le red light du boulevard des Laurentides, ses outils principaux sont le costume, l’espace et la lumière. Elle aurait voulu être profonde et impénétrable, mais il n’en est rien.

Camille Thibault-Bédard, diplômée en design de mode du Collège LaSalle Montréal, a commencé sa carrière en tant que modéliste et couturière pour des designers locaux, développant une excellence au niveau technique. Depuis 2010, elle a acquis une expertise en tant que costumière, en lien avec les arts du mouvement tels que le cirque et la danse. Sa compréhension du corps humain en mouvement a contribué à la production de costumes pour des compagnies renommées telles que La La La Human Steps, la Compagnie Marie Chouinard, le Washington Ballet, Cirque Éloize, Les 7 Doigts, James Viveiros, Machine de Cirque, Jason Martin, Projet Sanctuaire, Kimberley de Jong et Caroline Laurin-Beaucage.

Concepteur d’éclairage, artiste visuel, pédagogue et codirecteur artistique du collectif CHA, établi à Montréal, Paul Chambers détient un baccalauréat en beaux-arts (sculpture) de l’Université Concordia et un diplôme en théâtre (conception d’éclairage, de costumes et scénographie) du Collège John Abbott. Travaillant avec des artistes de diverses disciplines, sa priorité reste la collaboration sur de nouvelles œuvres de danse contemporaine. De 2008 à 2013, il est le directeur technique de Tangente. Il enseigne à l’Université Concordia et à l’École nationale de théâtre du Canada. En 2022, Paul est lauréat d’un Prix de la Danse de Montréal ainsi que d’un Prix META.

En tant qu’artistes de cirque, nous recherchons initialement de nouvelles façons de nous relier au mouvement en partenariat et d’enrichir notre vocabulaire acrobatique. Nous nous sommes tournéᐧes vers les arts martiaux en étudiant la mécanique des corps, les attrapes, les manœuvres, le contact et les contrepoids à travers une pratique de boucles et de répétitions. Le langage physique nous a amené à aborder l’ambiguïté, la vulnérabilité, l’intimité et la tension inhérentes aux positions et aux mouvements. Nous avons également été confrontéᐧes aux arts martiaux comme ensemble de gestes significatifs et comme un format d’organisation de l’espace et du temps (le ring, le match chronométré, etc.). Nous avons imaginé des paysages artificiels où différents médias tels que le son, la lumière et les textures se juxtaposent et interagissent avec le mouvement corporel. Ultimement, notre désir est de générer un sentiment unique de transparence et d’intimité entre les artistes, l’espace de performance et le public, où il est invité à examiner la performance avec une attention sensible et contemplative.