Laura Brisson + Léo «Hit» Coupal + Achraf «Eywaa» Maadaoui Terrab + Kaia Portner + Sarah Roy

Originaire de la ville de Lévis, Laura Brisson commence sa formation professionnelle à l’École de danse contemporaine de Montréal. Elle obtient son diplôme en 2023 et s’investit désormais dans sa carrière d’interprète et de créatrice. Elle a eu l’opportunité de présenter son travail en solo dans le cadre de Boomerang – danses partagées 2024. Elle approfondit également différents aspects de sa pratique dansée à ImPulsTanz 2024, Vienne, en participant à Atlas, un programme de formation chorégraphique. Son goût prononcé pour les installations lumineuses et immersives influence à présent sa création. Elle participe à différents ateliers autour du son et du travail de la lumière. De plus, sa pratique investie de Gaga, propulsée par son expérience à GagaLab Summer 2023 de Berlin, anime sa recherche d’un corps versatile, sensoriel et complexe tout en nourrissant sa signature chorégraphique. Parallèlement à sa carrière artistique, Laura est une grande amoureuse de nature, de plein air et de voyage, éléments qui teintent grandement son univers créatif et occupent ses temps libres.

Depuis 20 ans, Louise Michel Jackson a travaillé pour différentes compagnies et artistes indépendantᐧes telᐧles que Hanako Hoshimi-Caines, RUBBERBAND, Dana Gingras, Grand Poney, Frédérick Gravel, Adam Kinner, Simon Portigal, Lara Oundjian et Sidi Larbi Cherkaoui. Elle a créé son premier projet « STROKE » aka SHUDDER en collaboration avec Ben Fury (Belgique), présenté en première à Charleroi-danses (Bruxelles, 2016). Elle crée Bright Worms, présenté au Théâtre La Chapelle et au OFFTA (Montréal, 2021 et 2023) une recherche sur la bioluminescence en collaboration avec l’artiste sonore Magali Babin. Elle enseigne régulièrement à l’EDCM, l’UQAM, BIG BANG et Danse à la Carte.

oLivier Landry-gagnon, aussi connu sous le nom de gLoart, est un artiste interdisciplinaire qui œuvre principalement dans le domaine de l’art sonore et l’art vivant. Esprit autodidacte, il expérimente depuis plusieurs années la combinaison entre différents médiums artistiques tels que le son, la chanson, l’art numérique, la vidéo, la lumière et le mouvement. Il réalise de la musique pour des productions théâtrales, circassiennes et de danse. Sa capacité à interagir en direct lui permet de créer une symbiose entre la musique et les éléments scéniques. Sa démarche artistique est fortement alimentée par l’improvisation préparée, laissant une grande place à la réaction humaine et à l’écoute particulière du moment présent.

Kaia Portner (elle) est une danseuse/artiste chorégraphique basée à Montréal, sur le territoire Tiohtià:ke de la nation Kanien’kéha. Kaia a obtenu un baccalauréat en chorégraphie contemporaine de l’Université Concordia et continue de participer activement à la scène de danse contemporaine montréalaise. En tant que danseuse, Kaia travaille professionnellement comme showgirl dans divers lieux de Montréal et a participé à divers projets de vidéoclips pour des artistes locales. Kaia a également travaillé comme directrice de mouvement avec la compagnie de production vidéo montréalaise Production Triskel. Elle poursuit son entraînement avec la compagnie de talons Aura Montréal, ainsi que les techniques au sol avec l’artiste Victoria «VicVersa» Mackenzie. Sur le plan chorégraphique, Kaia a collaboré avec Art Volte x POP Montréal pour présenter son travail à L’Entrepôt77 et a travaillé en résidence à l’Université Concordia pour développer ses projets.

Kaia Mienna est une artiste de danse basée à Tiohti:áke/Montréal qui travaille comme directrice de répétition, chorégraphe et danseuse. Kaia a travaillé et est formée dans l’industrie commerciale/de compétition et dans l’industrie contemporaine. Elle a également récemment obtenu un baccalauréat en danse. Plus récemment, Kaia a travaillé comme répétitrice et gestionnaire de production pour We All Fall Down sur les projets Papillon, Because You Never Asked et Dans les bras de Morphée.

Capital Erotica est une idée brûlante en cours de réalisation. Tout d’abord, le désir de développer l’article de Victor W Turner «Liminality and Communitas», qui explore la mort en trois étapes: séparation, liminalité et agrégation. J’ai toujours été fascinée par la manière dont la mort du moi le plus familier pouvait être testée et incarnée. Comment se complaire dans le changement?

J’ai également été inspirée par un article de Sayak Valencia paru dans le Working Issue of Lampoon Magazine, dans lequel elle déclare «la féminité en tant que performance est devenue un travail, un lieu d’autoproduction où le capital social se déplace vers le capital érotique.» En bref, la monétisation du sexe, qu’elle soit directe ou subtile en tant que concept, est devenue une obsession. Le fait que je sois devenue une showgirl continue d’alimenter la recherche physique de ce projet.

Portée par un regard curieux sur le monde, c’est à travers la danse que Sarah Roy fait vivre son enfant intérieur. Constamment à la recherche de nouvelles façons d’évoluer et d’élargir sa pratique, c’est entre le DEC en danse au Collège Montmorency, le programme de danse contemporaine à The School of Dance d’Ottawa et la formation BIG BANG à Montréal qu’elle y trouve une place pour le jeu et l’expérimentation. Durant son parcours, elle a l’occasion de se pencher sur la création d’œuvres et de s’immerger dans l’univers de différentᐧes chorégraphes, lui révélant une attirance pour l’improvisation, la théâtralité et un intérêt grandissant pour la rencontre des corps. Sensible à la poésie de son quotidien, Sarah se laisse inspirer par la photo, l’étrange, le beau et la simplicité dans son art. Depuis 2023, elle travaille étroitement avec Johanna Simon et Manon Sérignat-Daléas dans leur nouveau collectif Aparté.

L’artiste et pédagogue Stéphanie Decourteille fonde à Montréal, en 2018, le programme en danse et création contemporaine BIG BANG et cofonde un an plus tard l’organisme de soutien aux artistes du mouvement Espace Ouvert. Formée professionnellement en ballet et en danse contemporaine et stimulée par plus de 25 années de carrière à titre d’interprète, de chorégraphe et de formatrice sur les scènes locales et internationales, Stéphanie place l’épanouissement des artistes professionnel·les et pré-professionnel·les (danse, cirque, théâtre, performance…) au cœur de ses engagements artistiques et culturels. Dans chacune de ses postures de directrice artistique, de conseillère à la création ou d’enseignante du mouvement, Stéphanie Decourteille œuvre pour que les démarches soient valorisées, que les acquis soient perfectionnés et que toutes formes d’expression soient encouragées.

Je me suis réveillée ici 

Dans ce corps qui a tant à raconter 

Je crois que c’est comme ça que c’est supposé être

Sugar curiosity and rain

Beautiful mess

Le bout des doigts froids comme le métal

Les joues rougies de chaleur

Les meubles qui collectionnent nos peaux passées

Et nos yeux qui pourraient absorber l’univers

Ceci est une contemplation

Un hommage

Aux papillons de nuits tournoyant sous les lampadaires

Aux phares des voitures qui dansent sur mes murs

À ces gens qui te pointent les couleurs dans le ciel

À tous ceux qui font surfer le bout de leurs doigts sur le vent de l’autoroute

Et à la trop souvent invisible poésie de notre quotidien

Léo «Hit» Coupal est un artiste multidisciplinaire originaire de Québec et établi à Montréal (Tiohtià:ke). Adepte de la culture hip-hop et danseur de break, c’est à l’adolescence qu’il développe une passion pour la poésie orale. En 2017 et 2023, il représente le Québec à la Coupe du monde de slam de poésie à Paris. Il évolue comme poète sur différentes scènes et comme artiste invité dans les écoles et événements. En 2021, il complète un baccalauréat en sociologie et entreprend l’autopublication d’un premier recueil de poésie. Comme danseur, il travaille au sein de différentes compagnies et évolue sur le circuit culturel et compétitif en breaking avec les collectifs Stylz Corrupt et Qc Roc. Depuis 2023, il travaille à la création d’une pièce solo qui allie mouvement et oralité. Il utilise son bagage varié en danse comme en poésie pour s’impliquer dans une diversité d’expériences et développer sa propre démarche.

Laura Borello-Bellemare (elle) est une artiste du mouvement, interprète ainsi que chorégraphe. Formée en théâtre au secondaire (2016) et en danse au cégep de Saint-Laurent (2018), Laura collabore en 2019 avec le théâtre Vichama (Lima, Pérou) en tant qu’artiste et enseignante. Depuis, elle suit la formation BIG BANG et prend part à divers projets dansés et interdisciplinaires. Ceux-ci sont présentés au Festival Vue sur la Relève (2022), à VOUS ÊTES ICI (2023), au Festival Fringe de Montréal (2021) et au FIFEQ (2023). S’intéressant à la force des arts pour rassembler, Laura codirige le collectif d’événementiel Très bonne idée. Celui-ci repense les espaces de diffusion hors des dispositifs scéniques traditionnels. Laura aime également jouer dehors, se déplacer à vélo, découper, coller, écrire, jongler. Elle complète un BAC en danse contemporaine à l’Université Concordia (2024) et s’intéresse aux thématiques de la familiarité, de la maison et de notre relation aux espaces habités.

Rodrigo Alvarenga-Bonilla s’initie à la danse dès l’âge de cinq ans en intégrant une troupe de danse folklorique salvadorienne. Il commence le hip-hop, le popping et le breaking dans les maisons des jeunes et de façon autodidacte. Il entame ensuite des cours au Studio Party Time à Québec et entre dans PNT Dance Company et dans le groupe MARVL. Diplômé en 2019 de l’École de danse contemporaine de Montréal, Rodrigo continue à développer son style personnel en mélangeant le break, le contemporain et l’acrobatie. Il collabore avec différents chorégraphes et compagnies de danses contemporaines tels que Destins Croisés, We All Fall Down, Animals of Distinctions, Sylvain Émard, Marie Béland, Catherine Gaudet et Tentacle Tribe, ainsi qu’avec le Cirque du Soleil et le Cirque Éloize.

Pénélope Dulude-de Broin est une artiste multidisciplinaire basée à Montréal. Elle travaille le corps comme une sculpture vivante et l’espace comme un personnage, tous deux dialoguant avec les matières, les formes et les couleurs. Sa pratique prône l’instinct, l’écoute, l’individualité et la croissance collective. Diplômée en scénographie en 2023 de l’École nationale de théâtre du Canada, elle explore la conception dans divers domaines vivants. Elle a travaillé dans le théâtre, la danse contemporaine, le cirque et l’événementiel au Québec, cherchant à créer des échanges artistiques transdisciplinaires. En tant que conceptrice visuelle, elle a collaboré avec Acollectif, Cirque Hors Piste et le festival Le Grand Tintamarre à Tadoussac. Elle accompagne également Fruzsina Lanyi sur des productions théâtrales telles que Nostalgie et la comédie musicale Albertine en cinq temps, mise en scène par Natalie Deschamps.

Depuis l’adolescence, je navigue au quotidien entre ma pratique en danse et mes activités en poésie. Si, jusqu’à dernièrement, je n’avais pas mélangé mes pratiques, c’est qu’aucune source d’inspiration ne m’appelait à le faire de manière organique. En 2022, j’ai écrit un poème qui témoignait du sentiment d’être nulle part, nourri à la fois de tribulations intérieures et de perspectives sur le monde. C’est cet angle qui m’a incité à créer un pont entre la danse et la parole. Toujours nulle part est le plus récent solo de ce projet de création. Je suis inspiré par une variété d’esthétiques propres au hip-hop et aux cultures urbaines, à l’écologie, à la sociologie, au slam. Ces inspirations relèvent autant de mon parcours varié que de notre époque aux mille tendances. Cette œuvre à la croisée de mes intérêts se veut ainsi tout aussi personnelle qu’engageante. 

Achraf «Eywaa» Maadaoui Terrab est un improvisateur spontané qui cultive sa curiosité à travers ses recherches et explorations combinées dans la danse, la musique et le design, au service de l’amour, de l’harmonie et de la beauté.

Mon cheminement artistique se présente comme une exploration épanouissante, où la curiosité guide mes pas à travers l’improvisation spontanée et la mise en œuvre de pratiques et des procédés pour créer une atmosphère harmonieuse. Mon processus créatif mêle recherche de maîtrise technique et liberté spontanée, fusionnant rigueur et improvisation. Je partage ardemment mon art, chaque performance devenant un effort de communion avec le public présent, centrée sur le partage et la connexion. En somme, ma pratique artistique fusionne danse, musique et design dans un langage de mouvement singulier, célébrant l’harmonie, l’amour et la beauté à travers chaque geste et création.